l cuerpo humano fue el motivo fundamental del arte griego, no sólo en su forma, sino también como medio para expresar el movimiento y las emociones. A diferencia de los artistas egipcios que resolvían su forma de representación basados en su conocimiento de la realidad, y sobre esa base establecieron reglas generales a seguir, los artistas griegos parten del punto al que habían llegado los egipcios y comienzan a servirse de sus ojos, avanzando paulatinamente hacia una representación del mundo "tal como se ve".^[1] Lo notable de esta travesía es que sus resultados, esa forma de representación "naturalista" que ellos comenzaron, perduró en el arte occidental hasta el siglo XIX en forma excluyente —sólo abandonada temporalmente durante los comienzos de la Edad Media—, y aun hasta hoy, si bien conviviendo con otros modos de representación que se desarrollaron a partir de la segunda mitad del s.XIX.

De la pintura griega sólo se conocen relatos escritos, la decoración de piezas cerámicas y escasos ejemplos murales —p.ej.: la tumba real en Vergina, donde se supone con cierto grado de certeza, descansan los restos del rey Filipo II de Macedonia—. Pero es la cerámica la que, por su abundancia, nos permite seguir la evolución de la producción de imágenes en dos dimensiones, a través de los últimos siglos anteriores a la era cristiana. Efectivamente, la cerámica fue una industria griega que alcanzó un gran desarrollo y tuvo un intenso comercio con todos los pueblos del Mediterraneo, por lo que es uno de los tópicos con mayor abundancia de ejemplos en las colecciones de todos los museos de historia, arte o antropología del mundo. Y es notable la cantidad de piezas en perfecto estado de conservación que se han recuperado y hoy pueden admirarse en esos museos.

Dentro del lapso que abarca la antigüedad griega, en la producción artística se distinguen cuatro períodos:

   * Período Geométrico: se denomina así a los siglos anteriores al s.VII a.C. Quedan pocos vestigios de este período, siendo lo más representativo piezas de cerámica funeraria decoradas con motivos de guardas geométricas, (denominadas "grecas") que hacia el siglo VIII a.C. comienzan a incorporar figuras humanas y zoomorfas muy estilizadas.

   * Período Arcaico: En este período —siglos VII y VI a.C— la cerámica griega cobra un gran impulso, transformándose en una industria que exporta sus piezas a todo el mundo mediterraneo, distinguiéndose dos estilos: la cerámica de figura negra y, posteriormente, la de figura roja. Pero también es a partir del s. VII a.C. que el arte griego comienza el desarrollo que marcará el rumbo del arte occidental. Partiendo de las normalizadas formas de representación egipcias, en poco más de un siglo recorren el camino que va desde una definición rígida y reducida a los principales rasgos de la figura humana, hasta la dinámica y perfecta representación de su naturaleza. La serie de Kuroi (singular: kuros; estatuas de jóvenes desnudos) de las tres primeras ilustraciones muestra como la pericia de los escultores griegos va acercándose hasta alcanzar su objetivo final, ya en el período clásico, ejemplificado en la obra de Policleto (cuarta imagen).

   * Período Clásico: abarca los siglos V y IV a.C y en él llega a su perfección un modo de Representación naturalista consistente en imitar a la naturaleza pero perfeccionando las formas para conformar un ideal de belleza. Un ejemplo de este "ideal" sería el famoso "perfil griego" de esculturas y cerámicas. Que según dijo alguna vez un crítico de arte "...jamás existió un griego que tuviera perfil griego", aludiendo irónicamente a esa pretención del clasicísmo griego de representar una belleza ideal, no el aspecto real de tal o cual persona. El proceso que llevó a los artistas griegos de la rigidez de los modelos egipcios en los que la preocupación se centraba en representar todo lo que se sabía que pertenecía al modelo, a preocuparse por representarlo tal como se vería desde un determinado punto de vista. eso es, el descubrimiento del "escorzo", se ve con claridad en las cerámicas pintadas datadas entre los finales del s.VI a.C. y comienzos del s.V a.C.^[2]

Para el arte griego la belleza de las formas se basa en el orden y las proporciones, es decir en la relación entre las medidas de cada parte de una obra y el conjunto. Orden y proporciones se dieron mediante el respeto de las relaciones y proporciones humanas, en la escultura y pintura y por medio de la simetría y los sistemas de proporciones matemáticos en la arquitectura. Así se llegó a la perfección del ideal griego de belleza, en escultura, con el «Doríforo» del escultor Policleto, que establece el modelo o "canon" de belleza griego; y, en arquitectura, con el «Partenón» de los arquitectos Ictino y Kalicrates y el escultor Fidias, templo considerado como la definición más perfecta del orden Dórico.

   * Período Helenístico: A partir de que Grecia es invadida y completamente sometida por Filipo II de Macedonia hacia el 337 a.C., el arte griego cambia su eje y va alejándose de la belleza ideal para tornarse más realista y abocarse a representar el motivo "tal como es". La representación gana en movimiento y dramatismo que serán las características dominantes en este período. La preocupación por el aspecto real de los motivos, hace que aparezca el retrato en el arte llegando hasta la representación de ancianos o seres deformes. Es en esta épocas donde el arte pierde en gran medida su antigua conexión con la religión y la magia y los artistas se abocan a resolver los problemas y técnicas intrínsecos de su arte, para lo cual cualquier tema será util: paisajes, naturalezas muertas, animales, escenas de la vida cotidiana, todo lo que pueda formar parte de una obra pictórica o escultórica lo encontraremos en la decoración de villas y palacios.

La arquitectura de este período mantendrá la racionalidad clásica pero liberándose de severos cánones formales, respondiendo con mayor libertad tanto a las ambiciones de los monarcas como a los nuevos tipos de edificios que aparecerán en las ciudades helenísticas, creando respuestas individuales para cada caso y remarcando una ostentación artística sin antecedentes en la Grecia clásica; como demostración de ello, podemos mencionar la ciudadela de Pérgamo.

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Temas

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os temas que abordó el arte griego reflejaron su mítologia, sus dioses y leyendas; los triunfos militares y/o deportivos y, en mucho menor medida, costumbres y vida cotidiana. Era costumbre de los griegos que los vencedores en los juegos olímpicos encargaran una escultura que los representara para ubicarla en las inmediaciones de la pista en la que habían vencido. Como ya se dijo, ésta no era un "retrato" del atleta, sino una figura de belleza idealizada, con el nombre de la persona ubicado en su base. También se acostumbraba ubicar una estatua votiva de los difuntos en su tumba; los Kuroi, representación masculina desnuda, y las Korei, figuras femeninas vestidas con la vestimenta tradicional de las mujeres griegas.

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Aspectos Estilísticos

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l arte griego recoge del egipcio el concepto de orden y equilibrio y aporta la conquista del movimiento y del espacio, además de llevar a su perfección la representación de la apariencia natural, abandonando la antigua norma egipcia de mostrar todo lo que se sabía que pertenece a la realidad. Sin embargo, las lecciones de arte egipcio no son descartadas sin más; los artistas griegos siguen silueteando sus figuras con la mayor claridad posible (ver Cerámica Griega) y tratando de incluir todo el conocimiento del cuerpo humano que les fuera posible sin forzar su apariencia natural. Su búsqueda no apuntaba a copiar la naturaleza tal cual la veían, sino a tratar de representar, a través de ella, los ideales de su cultura. Otra diferencia con sus maestros egipcios fue que los avances que iban logrando en las técnicas y tipos formales de representación, no tenían un carácter sagrado como en Egipto, lo que dio libertar a los artistas para continuar su búsqueda hasta alcanzar la perfección.

En arquitectura, en el período Clásico se definen los "órdenes" Dórico y Jónico; durante el período Helenístico aparece el orden Corintio, más esbelto y ornamentado que los dos anteriores. Estas formas arquitectónicas estarán presentes en casi toda la historia de la Arquitectura hasta las primeras décadas del siglo XX, si bien con pequeños cambios y variantes que las adaptaran a las nuevas necesidades de edificios que iban surgiendo a través de los tiempos, pero en lo esencial inalteradas. Solo durante la Edad Media serán abandonadas, principalmente fuera de Italia, pero volverán con fuerza renovada durante el Renacimiento italiano del siglo XV.

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Notas

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^[1] Aunque nuestro modo de ver la realidad nunca puede desprenderse totalmente de lo que sabemos de ella; pero eso recién lo descubrirán los artistas de comienzos del siglo XX

^[2]«...(El artista) abandonó la creencia de que todo lo que él sabía que pertenecía a la realidad debía ser mostrado. Una vez quebrantada esta antigua norma, y cuando el artista emplezó a confiar en lo que veía, tuvo lugar un verdadero derrumbamiento. Los pintores realizaron el mayor descubrimiento de todos: el escorzo. Fue un momento tremendo en la historia del arte...»

E.H.Gombrich, La Historia del Arte, Ed. Sudamericana S.A., 1999, pág.81